Uma História da Leitura - Alberto Manguel

Depois de anos trazendo a música no ouvido, observando paisagens reais, com pensamentos de trilhas sonoras imaginárias no transporte coletivo, me permiti (na verdade me obriguei) a aproveitar melhor esse tempo "perdido". A viagem matinal ao trabalho seria feita de outra forma agora. Tive de me programar em horários, estar atento em filas, acordando cedo, fazendo pequenos malabarismos, marcando a cara dos passageiros mais faladores, para me manter longe deles. Esse mês completei várias leituras atrasadas. Aos poucos vou soltando minhas impressões por aqui.

Os temas referentes a educação e a formação do indivíduo sempre me foram de interesse. Nesse campo a leitura é uma pedra fundamental para além da teoria pedagógica, e da práxis de aulas. "Ler" em minha opinião é muito mais do que o ato funcional de decifrar um repertório de códigos. Quem se debruça sobre um livro, com o devido treino de interpretação e estabelece uma relação de compreensão real ao campo de idéias ou fantasias, sai enriquecido. Assim a leitura mais que nos informa e ensina, também ilustra nossas fantasias, amplia nosso campo de sonhos. Sempre me incomodei com o descaso das escolas em tratar a literatura, com uma tarefa obrigatória pesada, monolítica, desprovida da capacidade de encantar os alunos, pois afinal, a ignorância é coleira presa na guia do controle.Na minha visão um tanto paranóica de mundo, existe um interesse bem classista em estabelecer mais e mais leitores "funcionais" do que desenvolver leitores reais, mas isso, que na real é papo bem chato fica para outra hora.

"Uma História da Leitura" (Companhia das Letras, 406 pags.) fala da relação leitor x livro de diversas formas, em diversos lugares e momentos. Alberto Manguel escreve agradavelmente, esparramando sua erudição, sem ficar pesado e chato, mistura experiência pessoal, pesquisa e paixão pelo ato de ler. A forma como discorre parte do pessoal, e creio eu, justifica o "UMA HISTÓRIA" por não existir uma história definitiva, existem visões, recortes de realidade, onde os indivivíduos, se relacionam na enorme teia do viver em sociedade.



Manguel pouco mais de 60 anos, é argentino de nascimento, canadense por opção. Tem uma grande lista de livros publicados. Em "Uma História da Leitura" dentre os diversos capítulos onde discorre sobre o ato de ler, fala também de si mesmo, assumidamente um apaixonado por livros. Em todos capítulos do livro, nomes como São Tomaz de Aquino, Kafka, Petrarca, Italo Calvino, Emily Brontë, Pablo Neruda, Fernando Pessoa, passeiam diante de nossos olhos, apresentados de uma forma próxima, com caracteristicas bem humanas e universais.


Alguns indivíduos sao privilegiados por condições familiares, outros por pura sorte. Manguel é um pouco dos dois. Para ilustrar um pouco do que falo, ele trabalhou quando adolescente em uma livraria. Além de se afundar em títulos mais variados e surrupiar outros de sua patroa, tirava o pó das estantes e atedia clientes. Um dia um velho cego adentrou a loja, pedindo um dicionário. O que um cego ia querer de um dicionário? O cego era Jorge Luis Borges, já famoso e reconhecido. Que lhe ofereceu uma oportunidade de aumentar mais suas finanças: Ler ao grande escritor, pois sua velha mãe ja nao tinha mais fôlego. Manguel foi durante um tempo os olhos de Borges, e ouvidos para seus comentários. Esse exemplo simples, de uma relação de amizade, que se ampara no ato de ler, ouvir e interpretar é uma de tantas passagens do livro. Mostra que os leitores, acabam "irmanando-se", congregando em seus silêncios individuais, a grande experiência que é dividir momentos, não só com o escrito, ou com quem escreve, mas fazendo da leitura algo maior, que aciona pessoas, em interesses comuns das mais variadas classes e vivências.

Dessa forma, em um momento onde as pessoas criam novos códigos de escrita, ou outras formas de leitura sao aprimoradas (vide kindle, ipad, etc) é importante ter um livro, que discorra sobre esse momento, íntimo e solitário, que pode ser público e devidamente acompanhado, mas que acima de tudo nos faz crescer como seres pensantes.

serviço:

http://www.alberto.manguel.com/

“Bem vindo ao mundo do amanhã” ou como Fahreinheit 451 queimou minha internet

Fahreinheit 451 de Ray Bradbury foi originalmente publicado em 1953 e conta a história do bombeiro Guy Montag que, em uma versão distópica do nosso futuro, tem como função primordial a destruição de livros impressos com um lança chamas. Muito já foi dito sobre a obra - bem como sobre o filme de Truffaut de 1966 - e o significado simbólico da queima de livros e sua relação com o saber. Porém, um dos temas mais relevantes e atuais da obra de Bradbury está na relação que Mildred, esposa de Montag, tem com sua “Família”.

O autor dá uma boa descrição da relação que Mildred tinha com esta Família: na sua sala, com muito custo, três “telas” foram instaladas, uma em cada parede. Mildred, que na sua primeira aparição tenta cometer suicídio através do consumo de tranquilizantes, pede para que Montag complete sua sala e compre a quarta “tela”. Mildred insiste: por dois mil dólares, sua sala já não seria mais um ambiente apenas dividido pelo casal, mas frequentando por todo o tipo de pessoa inteligente, interessante e exótica.

Mildred passa alí seu tempo. Incapaz de se mostrar de alguma maneira “inteligente, interessante e exótica” no seu cotidiano, Mildred apela para sua Família, que está sempre presente, logo ali, num apertar de botões. Mildred alí faz amizades, abre confidências. É nesse ambiente que Mildred aprende, cria conceitos, estabelece relações, faz comparações. Numa existência anulada pela pouca vivência e pelo parco acesso a informação relevante, Mildred reifica sua Família.

Mais de 50 anos depois, a “Família” virtual é uma realidade hiperdimensionada pela internet. Bradbury anteviu nossa dependência de relações inexistentes, nosso esforço pra o reconhecimento de um público cada vez mais avesso a crítica e cada vez mais próximo da mediocridade. Viu a decadência das relações humanas no que se refere ao diálogo franco e ao conhecimento. Em um mundo sem livros, as sub-sub-celebridades adquirem status de experts, de peritos, de especialistas. Na cadeia alimentar desta “nova era”, nosso limite entre o risível, o absurdo, o inédito, e o que realmente tem valor, acabam por se desfazer: sem parâmetros, aquele que detém mídia faz notícia, cria verdade.

Mildred é expectadora da vida. Via o mundo por uma tela. Criou relações afetivas com seres imaginários, que só existem nesse espaço que permite a constante reinvenção do “eu”, entidade esta que sempre rejeitamos.

Num mundo de telespectadores, temos a impressão que a interatividade é o controle.

Bradbury anteviu o Orkut, o Twitter, o Facebook; percebeu que o fulcro das relações humanas não transcende, em sua amplitude, o mero efêmero; espiou para dentro de nossa alma, de nossa vontade, de nossa (talvez?) natureza e encontrou o vazio.

Abaixo, trailler da versão de Françoise Truffaut de Fahrenheit 451

Huxley, Dostoiévski e o meu mundo

Pela terceira vez, li o Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley. Porém, a leitura teve frescor de nova. Não o lia fazia já uns bons 7 anos. Lembro quando peguei o livro na mão a primeira vez, no caminho óbvio pós-1984. Li este, e na sequência, outro clássico distópico: Neuromancer, de Wiliam Gibson.

Mas agora, as referências são outras. Livros bons são mágicos, eles se transformam, dada a nosso própria transformação. Ao olhar o mundo diferente, li o livro de maneira diferente.

A experiência de ler (e reler) Admirável Mundo Novo continua sendo atemorizante. De alguma maneira, diferente de 1984, Admirável Mundo Novo é um livro para ser lido um pouco mais velho, e não na adolescência. A razão disso está na percepção de que Huxley aponta os efeitos da massificação como questão principal do seu argumento, sendo que este é também o ponto central em nossa sociedade pós-industrial. Bingo! Esta é, talvez, a sacada máxima de Huxley: as democracias populares podem ser tão bem dirigidas e a liberdade pode ser tão completamente cerceada quanto o são modelos Fascistas.

O livro, para aqueles poucos que não conhecem, tem dois momentos específicos: um, em que acompanhamos Bernard: sujeito de alta casta na sociedade retratada no livro, mas que tem profundas duvidas quanto ao seu potencial. Sendo da casta mais alta, em uma sociedade completamente ordenada por este princípio, este caráter vacilante torna seu personagem um anti-herói. Sua personalidade é, em muitos momentos, pouco atraente. Durante a leitura, não existe empatia, pois a não conformidade de Bernard não está na rebeldia, mas sim em uma certa incompetência. O momento seguinte do livro se concentra em John, ou O Selvagem. Sujeito rejeitado tanto em seu grupo original, quanto na civilização, para a qual é arrastado por Bernard.

A dicotomia 1984/ Admirável Mundo Novo foi a tona durante minhas primeiras leituras. Era o embate entre o poder que domina pelo medo e pelo terror e aquele que domina pelo prazer e pelo condicionamento que dirigia meu olhar. Observar os diálogos, as posições e as referências a Shakespeare nos diálogos entre Bernard, John, Mustafá Mond, Lenina e Helmholtz estavam sempre, de alguma maneira condicionados a temática prazer/ medo, terror/ condicionamento.

Mas agora foi diferente: Huxley dialogou não com Orwell, mas com Dostoiévski e seu Crime e Castigo. E aqui, saindo do óbvio, acho que estamos mais próximos de um entendimento mais amplo de Huxley e de sua obra.

John e Raskólnikov vivem a mesma experiência: ambos se deparam - cada um por suas razões - a uma sociedade a qual não podem conviver. Cada um cria, dentro do seu (in)conciente, uma formulação própria a respeito do mundo que o rejeita. Ambos cometem um crime hediondo e ambos encontram a culpa e a vergonha. Cada um a sua maneira, procura um refúgio seguro. Um lugar de redenção.

Dostoiévski e seu cristianismo punem Raskólnikov com a Sibéria. Mas lá, este encontra o afago suave do perdão, e a oportunidade de poder olhar para sí mesmo renovado, em pé. A superação no sofrimento. A lição do tio Dostô é seu cristianismo otimista.

Huxley por sua vez, coloca John refugiado em seu próprio mundo, em sua solidão. Mas ao invés da redenção, John torna-se um freak. Afinal de contas, numa sociedade perfeita, organizada, e baseada no prazer, qual o lugar da dor? Como lidamos com o desgosto? Com a vergonha? Como nossa sociedade lida com as mesmas questões? Qual a resposta que encontramos?

Raskólnikov e John se automutilam, se apartam, correm para dentro de sí. Raskólnikov encontra o perdão. John encontra a espetacularização. Seu perdão não está aqui, mas apenas fora de sí. John acredita em Deus, mas não acredita em Jesus. Dostoiévski acredita em Jesus. e ponto. Huxley inverte Raskólnikov. Ao inverte-lo, só lhe resta a corda. Orwell acertou na União Soviética e na Alemanha Fascista. Huxley viu mais longe: viu no ontem o agora.

Nosso Sonho, por ABC

Acabei, finalmente. Cheguei a página 226 de O Sonho dos Heróis de Adolfo Bioy Casares, escritor argentino e contemporâneo, um dos grandes do nosso tempo.

Fui ler o Bioy - não escondo - por influência de Borges. Borges é argentino como Bioy, e os dois dividiram um pouco mais que amizade nos anos que passaram juntos. Dividiram a intimidade carnal de algumas páginas escritas, o que representa um nível de intimidade visceral entre ambos.

Bioy, assim como Borges, se aproximou do fantástico, mas diferente deste, Bioy torna seu fantástico factivél, quase “realista”. Diferente do inescapável escafandro de Borges e seu multifacetado pluriverso, Bioy é econômico, tornando sua visão onírica de um mundo em permanente desconstrução uma paisagem idilica. Se Borges é violência, Bioy é uma serene contemplação. Mas, apesar da amizade, Borges aprontou com o amigo Bioy: morreu antes, em 1986, criando uma sombra inescapável sobre Bioy, que morreu em 1999.

Borges disse sobre O Sonho dos Heróis: “nós, os argentinos, só conseguimos conceber uma única história, a amarga e lúcida versão que Adolfo Bioy Casares idealizou corresponde com a trágica plenitude a estes anos que correm”. Borges nacionalizou Bioy e seu sonho: o valor do livro residiria no seu contexto e em seu papel como símbolo: e estes, com alta significância para a Argentina e para sua história durante o século XX.

Mas, Bioy trancendeu a Argentina, e para isso, bastou colocar seu pequeno romance em catarse.

Em O Sonho dos Heróis acompanhamos alguns poucos anos de Emilio Gauna: jovem trabalhador de uma oficina que ganha uma pequena bolada apostando em cavalos, isso em pleno carnaval de 1927. Com esta grana, resolve se divertir com os amigos. Mas esta noite se perde nas memórias do protagonista em meio aos excessos e aos devaneios. Gauna assim passa todo o livro, buscando recuperar as memórias dessa noite. Gauna se casa, larga os amigos de farra, os reencontra, conhece pessoas. Mas a noite de 27 é inescapável. Ela é perene. Ele é intermitente.

E aqui é que forma e conteúdo se fundem. O que é este sonho? Simbolicamente, qual seu papel? O livro funciona como um devaneio. Os capítulos se iniciam vigorosos, detalhados, firmes; mas logo descabam para a incerteza para tornar-se apenas lampejos de uma narrativa. E aqui a metafora da forma aponta o significado do texto, onde esta busca implacável de uma noite esquecída é também nossa busca inexplicável por uma felicidade perdida. Nosso ideal, que fora potencialmente vivido em algum momento, mas que não resiste ao teste da verdade. Ou ainda, da razão.

Assim como qualquer pessoa, o narrador não pode trabalhar com detalhes e com o ordenamento. Num sonho, como num pileque.

Ao mergulhar profundo nas entranhas da cidade em busca de sí mesmo, Gauna se defronta com a terrível Buenos Aires, que é tão terrível como qualquer cidade grande, com seus personagens, personalidades e seus sons.

Bioy nos dá uma aula sobre a natureza humana e sobre nossa incessante busca pelo prazer e pelo deleite. Ao mesmo tempo, nos dá uma aula sobre a escrita em seu aspecto formal - lições que nossos pretensos escritores dos botequins augustianos deveriam aprender, ao invés de copiarem descaradamente o genial Bukowski.

Mas é sempre isso. Busca. E sonho. E no fim, nossa inerente tragédia.

Emicida - "Pra quem já mordeu um cachorro por comida até que eu cheguei longe..."

Posts atrás comentei sobre a renovação do hip-hop ao assistir a apresentação de Slim Rimografia. Viny meu parceiro aqui no blog, de ouvido, olhos e dedos ligeiros postou aqui um comentário apontando para a mixtape de EMICIDA. Pois bem, até então eu não tinha conseguido o disco. Nesse meio tempo assisti o documentário de Pedro Gomes que se chama “Freestyle – Um Estilo de Vida”. Como foi em um evento especial onde rolou um debate tive oportunidade de conversar com o Pedro por um tempão. O papo em si foi gratificante pelas idéias, mas ele mesmo me alertou “Ouça EMICIDA”.

Agora estou aqui na frente do computador, sem saber por onde começar. Falar de um grande disco é assim, muito a dizer, sem saber por onde. Eu não sou crítico de música e nem tenho pretensão de ser. O que nos propomos aqui nesse blog/revista é pensar, divulgar e falar da arte em geral da forma como nos convém, sem rabos presos ou jabás. E principalmente expor o que temos contato, seja do subterrâneo ou de quem já é conhecido. Prefiro falar o que sinto ao ouvir e pensar sobre esse play. As referências, os sinais, colocados espertamente entre os versos e rimas me causam familiaridade, justamente por eu ter origem e boa parte da minha vida na periferia. Por outro lado, ele pode facilmente ser absorvido por quem não tenha essa base e origem. O apuro de composição das rimas de EMICIDA, foi treinado e forjado nas ruas. Prova disso está não só nas inúmeras vitórias em batalhas e campeonatos de MC´s, mas é narrada durante as músicas. O universo literário, a poética do disco em si (se é que posso usar essas expressões) é formidável pois conecta referências tão inusitadas como histórias em quadrinhos, filosofia oriental, telenovelas, Eisenstein, com o mundo urbano, das periferias e ruas de São Paulo. Entre muitas outras. Isso mostra um grau não só de improvisação que vem no treino de tantas batalhas, mas em um tipo de “absorção” de conhecimentos múltiplos a serviço de uma personagem.

A “personagem” EMICIDA, não é uma simples criação, mas a personificação musical da pessoa do Leandro, “filho de Dona Jacira” . O rapaz é herdeiro dos grandes trovadores negros da música brasileira. Que vem de uma linha hereditária que tem Cartola e Jamelão. Que os pesquisadores e entusiastas da mpb queiram me crucificar ao ler isso, mas do mesmo jeito que esses pilares do nosso samba fizeram, o rapaz da zona do norte de São Paulo faz o mesmo: canta a vida. Ela perpassa as mais de 20 faixas do disco, e não é numa audição simples que isso virá. É algo que se percebe e invade os pensamentos vez após vez, a cada nova audição. Atrás do extenso título do disco, está a mãe, o primo, a rua, faixa por faixa organizada, em blocos que parecem refletir o humor e sentimentos do MC. Em certo momento o disco está raivoso, militante, crendo na força da música como mensagem, como uma nítida retomada do hip hop paulista dos anos 80. Noutro mais intimista, aparecem mulher, passado, a paternidade, as amizades, a saudade na distância, o quotidiano (até com o processo de composição do disco), e uma profunda e afiada reflexão acerca da realidade. Essa última impulsiona uma noção bem amadurecida de “lugar-espaço” e de não ilusão com a indústria da música.

Considerando que os meios de gravação e divulgação estão totalmente descentralizados e domésticos, nada mais justo que um rapper da periferia de São Paulo, com argüição de discurso e muita disposição lance um disco de tamanha qualidade técnica e conteúdo nas letras. Algo que podemos pensar é que EMICIDA também é fruto de seu tempo e também das transformações no fazer música nesse século. Mesmo que com talento de composição, tocando violão com boa voz, compondo lindos sambas, um homem da favela no Rio dependeria do contato com alguém do “asfalto” para seguir adiante á uns 40 anos. No bom sentido disso tudo, isso nunca mais se repetirá. EMICIDA não só é prova viva disso, por produzir e distribuir os próprios discos de uma forma a dar uma aula de “faça-você-mesmo” a muito punk-rocker, como também através disso dá novo fôlego ao rap, pelo qual é nitidamente apaixonado.

“A Rua é Nóis” não é um bordão vazio. É um lema que agrega idéias, companheirismo e esperança de ideais. É o engajamento no rap-mensagem. Como crítica de transformação social, que se faz num balanço filosófico e atento ao passado, não só nas origens individuais como na história da cultura negra brasileira. EMICIDA canta que “Jesus perdoou demais e morreu, lampião perdoou demais e morreu”, dessa forma ele reabilita o malandro, o “cara ligeiro” que existe nos discos do Racionais MCs e foi muito mau interpretado dentro e fora do hip-hop. Não se precisa matar, ter, roubar ou ficar muito louco para ser malandro, e usando uma frase do próprio Brown “malandragem de verdade é viver”. Ele quebra o tempo das rimas, das frases, intercala com rimas de “português errado”, mas que são genuinamente das ruas. E dá o seu recado em faixas simples e curtas, algumas de menos de dois minutos.

O que posso falar agora é que esse disco é uma preciosidade. Na minha humilde opinião, promove uma revolução muito bem orquestrada pela periferia, se valendo de algo que não se pode mais ter controle para disseminar idéias: a Internet. Bom, acho que eu poderia continuar escrevendo muito, mas seria repetitivo de minha parte e desnecessário. No fim das contas o que resolve todo esse tempo que fico aqui esmurrando o teclado é a frase do Pedro Gomes: “Ouça EMICIDA”.

Apes Listen! Te Voy a Quebrar/ O Cúmplice - Split CD

Saiu o Split. Te Voy a Quebrar e O Cúmplice, juntos. Duas bandas relativamente novas, porém com membros mais que escolados no cenário da música pesada. E é isto que faz desta bolachinha algo tão importante. Ela é um registro mais do que merecido para duas grandes bandas do underground, que apresentam um trabalho de excelente qualidade. Neste compacto as duas bandas dividem pouco mais de meia hora para mostrarem a que vieram. O Te Voy a Quebrar é do Rio de Janeiro e atualmente conta com Alejandro Sainz de Vicuña (voz e guitarra), Pedro Junkieira (guitarra), Bruno Pavio (baixo) e Felipe (bateria) fazem um som que flerta com o stoner, trazendo grande influência do onipresente Black Sabbath nas composições. O primeiro destaque vai para a a faixa “The Colour of Space”, uma grande composição Stoner, com um riff grudento de guitarra e excelente andamento baixo-bateria. “La Raza Errante” - um quase-Trash Metal - é outra grande música, que conta com uma excelente linha vocal e um riff de guitarra que preenche quase toda a duração da música. Já O Cúmplice conta com Marcelo (voz), Cauê (guitarra), Alessandro (guitarra), Karen (baixo) e Luiz (bateria). Formada por amigos e ativa desde 2006, a banda faz um misto de Hardocore, Stoner e um pouco de Doom. No gravação, se sobressaem as guitarras de Alessandr e Cauê que desfiam riffs belíssimos, ora cadenciados, ora mais velozes, mas sempre com peso na medida, e com bastante melodia. Marcelo prima pelo vocal, rasgado, porém com uma incrível interpretação. Nesta parte do split, duas canções se destacam: “Canção do Carrasco”, pelo incrível trabalho de guitarras, e “Ossos para os Cães”, pela atuação de Marcelo nas vozes e na letra. Disco imperdível para os ouvidos atentos para aqueles que procuram o que melhor está sendo feito música pesada. Lançamento exclusivo pelos selos Asa Negra, Kaska Krosta Rock Mutante e Back on Track.

Para conhecer mais:

O Cúmplice

Te Voy a Quebrar

Entre os muros da escola - resenha

Cantet retrata o mundo em branco e preto da sala de aula com crueza e talento ímpares.

Eu sou professor. Não faz muito tempo, mas sou. Dou aula para adolescentes. Para mim a escola nunca foi um romance. Sei o que posso fazer, e até onde posso ir. Sei das limitações. Nunca romantizei a relação aluno – professor. Nunca quis ser santo padroeiro de ninguém. Sou um intelectual, e gosto muito de dividir e aprender com quem se interessa. No cinema, a questão, porém, é outra: o professor é sempre uma figura desprendida do mundo, com um grande amor pela profissão, onde sua relação com os alunos se transforma em missão de fé. “Entre os muros da escola”, filme do diretor Laurent Cantet e ganhador da palma de ouro no festival de Cannes ano passado, retrata a escola nua, quase visceral. François Bégaudeau, autor do livro que deu origem ao longa, interpreta a si mesmo no filme na pele do professor Marin, que claramente tem dificuldades em lidar com os adolescentes que encara todos os dias. Talvez, esta seja a maior mágica do filme: Marin é um professor ruim. Ele está longe de ser brilhante, articulado, ou mesmo, esperto. Os alunos, em compensação, são o retrato da juventude. Está tudo presente: as roupas, celulares, o sexo, a revolta, o preconceito. Os adolescentes são da periferia de Paris, mas podiam ser da periferia de São Paulo. A escola também tornou-se um não-lugar: ao mesmo tempo que não possui identidade, é identificável em toda parte.

Em algumas resenhas, li que o filme era uma “visão francesa sobre o choque de civilizações”, “um filme sobre a tolerância”: tudo blá blá blá, conversa que escamoteia a realidade. Pretensão de intelectualizar demais uma relação simples, cotidiana e cruel. “Entre os muros da escola” é um filme sobre a realidade de uma escola qualquer, de um professor qualquer, e de um aluno qualquer. Não existem heróis. Não existem bandidos. O que existe é apenas a crueza cinza chumbo do mundo: seus conflitos, suas idiossincrasias, e, porque não, sua beleza. 

E o melhor está no final: a sala de aula vazia vale por mais de mil palavras.

Just A Fest - Radiohead

Eis que acontece o grande momento da noite. Depois de quase duas décadas de espera, finalmente o Radiohead sobe ao palco para delírio de rockeiros, indies e modernos em geral. Toda a estrutura montada no palco era belíssima, com destaque para as lâmpadas que pendiam do teto que coloriam o palco e o público e proporcionavam um interessante diálogo entre som e luz, criando um deleite sensorial irresistível. Os telões laterais ao invés de focar em apenas um membro da banda de cada vez, se dividiam e focalizavam os 5 integrantes, graças as camêras espalhadas pelo palco, e pegavam aqueles pequenos detalhes que nós não conseguíamos ver olhando de longe: ponto positivo mais uma vez para a produção artística do show, que conseguiu sair mais uma vez do óbvio. Thom Yorke até brincou com o público mexendo as sobrancelhas quando com a camêra deu em si mesmo um close nos olhos, enquanto era executada a música “You and whose army?”, que dedicou aos “Yankees” - quem disse que o Radiohead não pode ser politizado? O guitarrista Jonny Greenwood tem uma presença de palco incrível, não parando um minuto, andando, sacudindo o corpo, balançando a cabeça. Além disso, muitas vezes largava a guitarra para tocar pedais e sintetizadores, inclusive, um pequeno e portátil rádio FM muito usado na apresentação: sem dúvida um dos músicos mais criativos da atualidade. O show começou com a música “15 Step” do albúm mais recente da banda, “In Rainbows” mas pegou fogo mesmo com a terceira música “The national anthem”, que com sua forte marcação do baixo fez o público ir a loucura. No Rio de Janeiro, eles não tocaram, mas aqui em São Paulo ela estava presente: “Pyramid Song”, uma das músicas mais belas compostas no mundo pop até hoje, e uma das favoritas dos macacos presentes que assinam esta resenha. Neste momento percebemos um rapaz de óculos, mais ou menos um 1,80m cantando e chorando, realmente tocante. Na sequência vem “Karma police”, e é quando eles entram no universo do mais aclamado trabalho da banda, “Ok computer”, e percebemos que realmente a força do Radiohead está nas composições deste disco. Todos cantaram em coro, simplesmente lindo! As músicas variaram de acordo com os albúns e o set list principal terminou com “Idioteque”, música do disco “Kid A”, talvez o mais experimental e eletrônico da banda. O show se transformou em uma pista de dança, onde a marcação forte do bumbo ditava o ritmo do balançar de corpos. E assim termina o set list.
É o fim? Será? É óbvio que não! Após palmas e gritos de 30 mil pessoas, o Radiohead volta ao palco. Seria a primeira volta de mais duas que seguiram e desta vez eles vem com o ponto mais alto do show “Paranoid Android”, mais uma vez “Ok computer” na cabeça. Foi incrível ver a banda reproduzindo toda a atmosfera da música ao vivo e mais incrível ainda ver o público agindo com um sexto integrante da banda cantando a canção do começo ao fim e até mesmo após o fim, após toda a banda ter parado de tocar. Thom Yorke contínuou cantando a última estrofe juntamente com o público. Foi de arrepiar! Logo na sequência, “Fake plastic trees”, mais uma que eles não tocaram no Rio de Janeiro, onde preferiram tocar “How to disappear completely”. “You and whose army?” marca a segunda volta da banda ao palco, juntamente com “Everything in its right place”, “House of cards” e “True love waits”. O grand finale estava próximo e finalmente eles trazem a cena a primeira música do primeiro disco da banda, “Pablo Honey”, ao show. Sim, é esta mesmo que vocês estão pensando, quem passou a adolescência nos anos 90 já sacou, eles fecharam o show com “Creep”. Foi uma comoção, um coro ensurdecedor, “I’m a creep, I’m a weirdo. What a hell am I doing here...”, impressionante! É discutível a banda terminar o show com Creep: para nós, os shows deveriam terminar com “Paranoid Android”, que com certeza foi a música mais esperada e aclamada da noite. Mas tudo bem, primeiro show no Brasil e nós esperamos muito tempo para ouvir “Creep” e nos sentirmos tão positivamente esquisitos quanto os membros do Radiohead. Sonho realizado. Inesquecível!

Just A Fest - Kraftwerk

Os alemães do Kraftwerk entraram na hora marcada e durou cerca de uma hora. A importância histórica da banda é inquestionável: são simplesmente os pais da música feita no computador, e faziam isso antes da existência do computador pessoal. A formação atual conta com Ralf Hutter (único membro da formação original que se iniciou com um duo), Fritz Hilpert, Henning Schmitz e Stefan Pfaffe. A postura da banda é absolutamente inerte: quatro figuras, em pé, com seus laptops praticamente não esboçam expressão alguma. Porém, faz parte do show: o Kraftwerk sempre primou por ser uma espécie de “1984” da música: existe algo de muito crítico na fusão máquina e homem como exposta pelo grupo, que torna-se um quase paradoxo quando Man Machine explode nos falantes e os integrantes são substituídos por robôs. De maneira bizarra, estes interagem mais com o público e apresentam mais movimentos que os próprios músicos. A apresentação foi irrepreensível, tendo um apelo visual incrível. Ver o show é uma experiência sinestésica, onde as imagens exibidas no telão, de maneira ritimada e intercalada com as sessões musicais, levam o espectador a sentir as canções. O público do festival foi ganho pela pirotecnia do show. A maior parte dos presentes não estavam lá para ve-los, porém a qualidada da apresentação e a sensação de estranhesa com a mistura de sons e imagens foi, aos poucos ganhando os presentes. Ao final, foram muito aplaudidos. Sem sombra de dúvida, as “Men Machine”, “Tour de France”, “Radioactivity” e "We are The Robots" foram os grandes momentos do show.

Just A Fest - Los Hermanos

Após cerca de um ano de hiato o Los Hermanos voltaram aos palcos para uma apresentação única no festival, cuja atração principal era o Radiohead. Era perceptível a ansiedade de muitos fãs da banda barbuda para este show, e por volta das 18hs eles subiram ao palco. Tocaram apenas músicas dos 3 últimos discos e todos os quase-hits como, “Todo carnaval tem seu fim”, “O vencedor”, “Último romance”, “Cara estranho”, entre outras.
Mas a disposição dos Hermanos parecia não ser a mesma de outros tempos. Foi um show esquisito, onde pareceu que a banda não estava tão a vontade no palco tocando suas velhas canções. Apesar das tentativas de Amarante dizendo: “Alegria, alegria!” e Camelo dizendo: “Tá lindo ver todo mundo junto aqui!” o Los Hermanos parece ser uma ex-banda agora. Técnicamente o show foi perfeito, mas espiritualmente parece que os queridos barbudos estavam em outro mundo.

Just a Fest - a Macacada na Meca Indie

Por Viny Rodrigues e Thiago Zati

E a macacada foi ao tão esperado Just a Fest. Radiohead, Kraftwerk e Los Hermanos era quase um sonho! Para não falar nos rumores tempos atrás sobre Sigur Rós e Portishead, que infelizmente, não se realizaram. Mas a Meca indie/ eletro tinha local e data: Chácara do Joquei, dia 23 de março de 2009. O lugar vêm recebendo grandes shows a algum tempo devido em especial a falta de espaço para eventos deste tipo na cidade. Este, talvez tenha sido o ponto negativo de todo o festival: a organização foi muito falha: desde o imenso trânsito para se chegar ao local, a falta de sinalização e estacionamentos adequados, passando pelo terreno e altura do palco, que impossibilitava todos os presentes de assistirem confortavelmente o show, até mesmo ao final das apresentações com a saída confusa de todos os presentes.
Porém, com relação as formalidades técnicas das apresentações, não houveram problemas: o som estava muito bom (apesar da ausência de graves mais altos no show do Kraftwerk), todo o aparato de efeitos funcionou sem problemas, inclusive os telões das laterais e do centro do palco.
Vamos então ao que interessa: aos shows!